ALAIN DELON

HOMMAGE À UNE LÉGENDE

Une page se tourne…

Alain Delon nous a quittés, et il était bien plus qu’un simple acteur. Il incarnait l’essence même d’un certain cinéma français, une figure emblématique, quasi mythique, dont l’aura a traversé les décennies, captivant le public par son charisme indéfinissable et son talent brut. Il a également été un ambassadeur du cinéma français à l’international, le symbole d’une génération dorée, et l’un des derniers grands du cinéma de l’Hexagone.

Le talent d’Alain Delon allait bien au-delà d’un physique avantageux, car il pouvait incarner tous types de personnages, du bon au mauvais, du policier au voyou. Il nous a offert des personnages complexes et ambigus, souvent en lutte avec eux-mêmes, écorchés vifs pour certains, une marque que l’acteur portait en lui et qui définissait son style si singulier.

Il a su mettre son talent au service des plus grands réalisateurs, notamment Jean-Pierre Melville, avec qui il a tourné trois films grandioses : Le Samouraï, où il incarne un tueur à gages quasiment mutique ; Le Cercle rouge, où il interprète un voyou pourchassé par un Bourvil méconnaissable en commissaire déterminé ; et Un flic, où il transcende son art en jouant un policier crépusculaire.

Un talent au service des plus grands réalisateurs

Alain Delon a été prolifique jusqu’à la fin des années 1980 et a marqué le cinéma avec une dizaine de films cultes, parmi lesquels Plein Soleil, Le Guépard, La Piscine, Borsalino (où il partage l’affiche avec Jean-Paul Belmondo), Rocco et ses frères, ou encore l’ultra culte Le Clan des Siciliens, où il rejoint les autres monstres sacrés du cinéma français, Jean Gabin et Lino Ventura. L’héritage d’Alain Delon ne se limite pas à sa filmographie exceptionnelle. C’est aussi l’influence qu’il a exercée sur le cinéma et la culture française, son style inimitable et son audace qui ont façonné une image intemporelle de l’homme français : élégant, mystérieux, et libre.

Alain Delon, un monstre sacré

Par son décès, la France perd l’un de ses meilleurs représentants. Il faut alors se souvenir de ses mots lors de la remise de sa Palme d’or d’honneur :

« Au lendemain de cette Palme d’Or d’honneur, l’envie me prend de remercier toutes celles et tous ceux qui m’ont témoigné d’une manière ou d’une autre leur affection et leur sympathie, et plus encore. Alors que mon voyage touche à sa fin, je veux le dire : j’ai connu tant de passions, tant d’amours, tant de succès et d’échecs, tant de controverses, tant d’esclandres, de ténébreuses affaires, tant de souvenirs, tant de rendez-vous manqués et de rencontres impromptues, tant de hauts et de bas ; que lorsque les honneurs ne seront plus que de vains et lointains souvenirs, il est une seule chose qui brillera par sa constance et sa longévité : vous, vous seuls. À vous qui avez fait ce que je suis, et qui ferez ce que je serai, il me fallait vous le dire. Je vous dis merci, merci, merci. »

C’est en effet son public qui aura fait d’Alain Delon un acteur de renom, une icône française. Au final, c’est en visionnant et revisionnant ses films, trésors de notre patrimoine français, que nous ferons perdurer sa légende, comme nous le faisons pour Jean Gabin, Lino Ventura, Simone Signoret, Romy Schneider ou Jean-Paul Belmondo.

Alain Delon était un monstre sacré, il est maintenant une légende et un mythe français, une part significative de notre patrimoine culturel.

Par Grégory Caumes

C’est quoi un « O.F.N.I » ?

Un film invisible ?

Un horrible nanar ?

Une série Z épouvantable ?

En fait c’est notamment tout cela à la fois, mais heureusement pas seulement.

Un OFNI est un Objet Filmique Non Identifié

à savoir qu’il ne relève d’aucun genre, ou du moins, même s’il appartient à un genre précis, que sa singularité en fait un Ofni à l’intérieur même de sa propre catégorie. Un Ofni est un film totalement en dehors des sentiers battus qui, d’une certaine façon, ne ressemble en rien à un film normal.

Dans cette rubrique, nous allons vous présenter à chaque fois un OFNI,

alors bonne découverte !

EXISTENZ

Fiche technique :

Synopsis : Dans un avenir proche, une créatrice de génie, Allegra Geller, a inventé une nouvelle génération de jeu qui se connecte directement au systeme nerveux : eXistenZ. Lors de la séance de présentation du jeu, un fanatique cherche à la tuer. Un jeune stagiaire en marketing, Ted Pikul, sauve la vie d’Allegra. Une poursuite effrenée s’engage autant dans la réalité que dans l’univers trouble et mysterieux du jeu.

L’un des plus remarquables films d’anticipation

Partiellement inspiré de l’affaire Salman Rushdie, eXistenZ constitue l’un des plus remarquables films d’anticipation, et sans doute le plus intelligent, sur les jeux vidéo, les univers virtuels et le bio-punk. La construction en poupées russes, étagée sur quatre niveaux de narration (!), ne permet pas d’appréhender l’ensemble du récit dès la première vision. Mais la rigueur implacable de ce labyrinthe narratif ne laisse pas de procurer une véritable ivresse au spectateur : l’ivresse des profondeurs.

Un cauchemar dont on arrive pas à se réveiller

Le film réussit ainsi à recréer, sinon la logique d’un jeu vidéo, en tout cas celle d’un cauchemar dont on n’est jamais sûr d’être véritablement parvenu à se réveiller : l’enchaînement surréaliste des décors, le jeu véritablement biomécanique des avatars les moins sophistiqués, l’inquiétante étrangeté des accessoires et des situations, laissent à penser que Franz Kafka aurait pu contribuer à la conception du scénario (que David Cronenberg a d’ailleurs cette fois écrit lui-même).

L’univers de Cronenberg a toujours fourmillé d’êtres hybrides (La Mouche), d’étranges objets chirurgicaux (Faux semblants). Dans eXistenZ, les armes à feu sont constituées d’ossements d’animaux, hybrides eux aussi, les balles sont de véritables dents humaines (!), et les consoles de jeux ont l’aspect de foetus caoutchouteux ou de sextos. Quand aux joueurs, connectés entre eux par des sortes de cordons ombilicaux branchés à des sphincters artificiels, au bas du dos, ils finissent par s’égarer dans l’incertitude crépusculaire des allers-retours entre monde virtuel et réalité.

On y retrouve les thématiques de Cronenberg

Au coeur de ce troublant bestiaire, on retrouve évidemment toutes les thématiques abordées par Cronenberg dans ses longs-métrages précédents : l’univers bio-médical, l’idée de transformation du corps.

Cronenberg avait déjà abordé le thème du monde virtuel dans Vidéodrome en 1982, mais ici il va plus loin et, sous couvert de science-fiction, nous parle d’un monde étrangement familier : le nôtre, avec ses expérimentations hasardeuses, ses excès numériques et ses dérapages non contrôlés pour, toujours, fuir le réel.

Au final, l’entreprise finit par générer un singulier malaise, mais un de ces malaises dont on se réveille grandi et incapable, désormais, de poser le même regard sur la réalité qui nous entoure. C’est ainsi qu’avec ce film inclassable (science-fiction serait un peu court), Cronenberg entre par la grande porte dans la famile des Ofni fantastiques, ce qui n’est sans doute pas pour lui déplaire.

Source : « Les Ofni du cinéma fantastique & de SF « 

par Alain Pozzuoli et Philippe Sisbane

LES TECHNOLOGIES INNOVANTES

LES PLUS UTILISÉES  

À l’heure de la SVOD, du streaming et des Home Cinema,

les exploitants tentent de convaincre leurs clients de retourner dans les salles obscures.

Ils mettent donc la main à la poche et investissent de plus en plus dans les technologies innovantes.

Les 5 technologies innovantes les plus utilisées :

• L’ICE : l’Immersive Cinéma Experience

L’Immersive Cinema Experience », développée par le réseau CGR, combine plusieurs technologies. Il y a la projection Laser 4K, le son Dolby Atmos et (au départ) le LightVibes, un éclairage dynamique sur les côtés qui suit les couleurs de l’image. Une sorte de Philips Ambilight pour le cinéma. Depuis, le Light Vibes a été remplacé par une solution maison dévelopée par CGR.

Présentation salle premium ICE by CGR

Les panneaux leds reflètent la vision périphérique de l’oeil humain, permettant au public de rester concentré sur le grand écran pour une plus grande immersion dans le film.

• L’IMAX : contraction de « image maximum »

L’IMAX est une projection immersive reposant sur des écrans de très grande taille. Elle fut créée au Canada par l’IMAX Corporation en 1970 et offre une définition plus élevée que les projections classiques. Un écran standard IMAX mesure 22 mètres de long et 16 mètres de haut, le plus grand se trouvant à Sydney avec 35,73 sur 29,42 mètres.

• Le Dolby Vision et le Dolby Atmos : contraction de « image maximum »

Ce sont des technologies offrant dans le premier cas une meilleure gamme dynamique, un meilleur contraste, des couleurs plus vives et plus de luminosité, et dans le second un son 3D.

• La 4DX : format de cinéma 4D

Développée en 2009 en Corée, cette technologie entend immerger le spectateur à l’aide du mouvement des sièges et d’effets sensoriels.

Les salles de cinéma 4DX sont des salles de cinéma spécialement équipées. Au-delà de l’équipement de projection qui peut diffuser autant en 2D qu’en 3D, 4DX permet au spectateur de voir un film dans des conditions immersives avec des effets de lumière, de mouvement, d’odeur et d’atmosphère, synchronisées avec le film projeté. Par exemple, une course-poursuite en voiture provoque des mouvements du siège, un moment sous la pluie projette des goutelettes d’eau, un passage dans une jungle diffuse des odeurs de plantes dans la salle, une scène dans une discothèque fait fonctionner les stroboscopes de la salle.

• Le Screen X : format de film panoramique

Il s’agit d’un dispositif de projection permettant d’étendre l’image sur les murs latéraux. Le spectateur dispose d’un angle de vue de 270 degrés. Pendant plusieurs scènes, les images s’étendent à droite et à gauche de l’écran pour encore plus d’immersion..

Toutes ces technologies ont bien évidemment un prix, et il faut souvent débourser 15 € au minimum pour s’offrir un film dans une salle à la pointe des technologies de l’image, mais l’expérience en vaut souvent le coup.

C’est quoi un « O.F.N.I » ?

Un film invisible ?

Un horrible nanar ?

Une série Z épouvantable ?

En fait c’est notamment tout cela à la fois, mais heureusement pas seulement.

Un OFNI est un Objet Filmique Non Identifié

à savoir qu’il ne relève d’aucun genre, ou du moins, même s’il appartient à un genre précis, que sa singularité en fait un Ofni à l’intérieur même de sa propre catégorie. Un Ofni est un film totalement en dehors des sentiers battus qui, d’une certaine façon, ne ressemble en rien à un film normal.

Dans cette rubrique, nous allons vous présenter à chaque fois un OFNI,

alors bonne découverte !

FREAKS 

La Monstrueuse Parade

Fiche technique :

Synopsis : Des êtres difformes se produisent dans un célèbre cirque, afin de s’exhiber en tant que phénomènes de foire. Le liliputien Hans, fiancé à l’écuyère naine Frieda, est fasciné par la beauté de l’acrobate Cléopâtre. Apprenant que son soupirant a hérité d’une belle somme, celle-ci décide de l’épouser pour l’empoisonner ensuite avec la complicité de son amant Hercule. Mais le complot est découvert, et les amis de Hans et Frieda vont se venger…

Rien n’est normal dans ce film…

… en apparence du moins, et pourtant, tout confine au génie. Commencé sous les plus mauvais auspices, le film fut l’objet de pétitions pendant son tournage pour que l’on tienne les « phénomènes » à l’écart du reste de l’équipe. A la pause-déjeuner, certains techniciens et vedettes de la MGM allèrent jusqu’à refuser de s’asseooir à la même table que les freaks, car la vision de ces êtres à l’apparence si dérangeante leur était insoutenable.

Ce fut aussi le cas pour le grand public qui eut beaucoup de mal, à l’époque, à supporter la vision de ces créatures hors normes et pourtant tellements humaines en définitive. Le résultat s’avéra à la hauteur de la surprise et du malaise : le public bouda le film, et cet échec commercial fut si important qu’il faillit causer la faillte de la MGM qui l’avait produit en misant sur le talent de Tod Browning (1880-1962) et sur son succès précédent, Dracula, tourné un an plus tôt, avec l’énigmatique Bela Lugosi (1882-1956) dans le rôle-titre.

Ce film Ofni, l’un des plus beaux films de la cinématographie mondiale

Ce film faillit même disparaître à tout jamais, la MGM en ayant relégué les négatifs dans des cartons sans plus se soucier de leur devenir. Il fallut attendre 1969 pour que l’on découvre une copie oubliée, conservée par la Cinémathèque française. Grâce à Jean-Claude Romer (1933-2021) et Michel Caen (1942-2014), qui eurent l’idée d’en assurer de nouveau l’exploitation en France, le film connut alors une seconde carrière. Redécouvert par les cinéphiles (sous le titre français La Monstrueuse Parade), il a acquis depuis le statut incontestatble de film culte et continue d’être projeté dans les cinémathèques du monde entier sous son titre d’origine : Freaks.

FREAKS – un film à nul autre pareil, ce qui lui vaut de figurer en tête de liste dans toute taxinomie des films Ofni !

Source : « Les Ofni du cinéma fantastique & de SF « 

par Alain Pozzuoli et Philippe Sisbane

KING KONG FÊTE SES 90 ANS ! 

Le 2 mars 1933, il y a 90 ans, le public américain découvrait en avant-première les aventures du fameux géant.

Kong a d’ailleurs été le premier monstre exclusivement imaginé pour le Cinéma…

Le premier film :

Et quelle merveille ! Ou plutôt quelle catastrophe…

L’observatoire du 86e étage de l’Empire State Building en tremble encore. D’une main, l’animal est accroché à l’immeuble art déco le plus célèbre de New-York et de l’autre, il tient une jeune femme blonde dont il est éperdument amoureux. Et tout cela en combattant les avions de l’armée américaine chargés de l’abattre. Cette scène, vous l’avez tous en tête. Vous l’avez tous au moins déjà vue. Cette scène culte fait entièrement partie de la Culture populaire. Il s’agit bel et bien de la scène finale de KING KONG, le film sorti le 2 mars 1933 à New-York (of course) puis en avril dans le reste des Etats-Unis et du monde !

KING KONG ( Cooper et Schoedsack, 1933)

L’image de ce gorille géant, tenant dans sa main une jeune femme et affrontant des avions au sommet d’un gratte-ciel, est fortement ancrée dans la culture populaire.

L’origine du nom :

Dans les premières versions du scénario, Merian C. Cooper envisageait que le nom du gorille serait simplement The Beast (« La Bête ») et que le film se nommerait Jungle Beast (« La Bête de la Jungle »). Mais la société de production RKO demanda un titre plus mystérieux et sauvage. Cooper choisit finalement pour son personnage le nom de Kong, qui était celui d’une chaîne montagneuse imaginaire, auquel il rajouta le nom de « King » (« roi » en anglais), pour que les spectateurs ne prennent pas le film pour un simple documentaire et comprennent bien qu’il s’agit d’une fiction.

L’invention d’un mythe

Mais reprenons tout depuis le début. Monstre sacré, pour ne pas écrire Sacré monstre du 7e art, King Kong est véritablement le premier monstre entièrement imaginé pour le Cinéma.

Alors oui, avant lui, il y en existait d’autres. Les monstres qui s’affichaient dans les salles obscures se nommaient Frankenstein ou Dracula… mais ceux-ci ont tous connu un premier succès en librairie. Pas Kong ! Ce king est né de l’imagination fertile de deux cinéastes, Merian C. Cooper et Ernest B. Schoedsack.

Cooper est aviateur. C’est même l’un des héros de l’Aviation américaine. Plusieurs fois fait prisonnier, plusieurs fois évadé, sérieusement brûlé, il revient traumatisé de la Première guerre mondiale. Documentariste, journaliste, baroudeur, un peu espion, totalement aventurier, il parcourt la planète à la recherche d’histoires à partager. Avec son ami Schoedsack, rencontré au front, ils décident de raconter cette guerre, de tenter de comprendre comment l’Homme a pu tomber si bas. Tout en se demandant comment ils aimeraient toutes ces choses pour qu’elles ne recommencent plus, ils vont se mettre au Cinéma. Ils touchent un peu à tout, ils expérimentent quelques plans… Mais Cooper et Shoedsack en veulent toujours plus. Ils veulent surtout une histoire folle, un film pour lequel il faudrait inventer de nouvelles techniques, de nouveaux effets spéciaux.

Et là c’est le coup de génie. Ils écrivent cette histoire. Une histoire de passion amoureuse. Une histoire mettant en scène une bête de 9 mètres de haut, Kong !

Un être, un monstre que l’on craint, qui épouvante, mais que l’on pleure … Car il est là le véritable thème de « King Kong » : la bestialité. Non pas celle de cet animal mais celle de l’Homme devant l’inconnu, l’étranger. Cette bestialité que le rend fou et au nom de laquelle, il massacre ce qu’il ne connaît pas, ce qu’il ne comprend pas.

La naissance de plusieurs films

Dès sa sortie, « King Kong » connaît un tel succès qu’il aura des petits. Enfin d’autres géants comme LE FILS DE KONG réalisé par Ernest Schoedsack (en 1933, encore), MONSIEUR JOE de Cooper et Schoedsack (en 1949, toujours eux), KING KONG CONTRE GODZILLA (en 1962) ou LA REVANCHE DE KING KONG (en 1967).

LA REVANCHE DE KING KONG (1967)

Côté remake, dès 1976, vous avez pu voir KING KONG de John Guillermin avec Jeff Bridges et Jessica lange. Excellente revisite du mythe où l’Empire State Building a été remplacé par une toute nouvelle prouesse architecturale à peine inaugurée à l’époque, les fameuses Twin Towers ! Ce remake connu aussi une suite, KING KONG 2, en 1982.

En 2005, Peter Jackson remit au goût du jour la bête avec son KING KONG en y ajoutant des extraits de scénarios abandonnés par Cooper et Soedsack. Quant à cet autre monstre sacré du Cinéma, un certain Godzilla, lui aussi, il retrouva sur sa route le maître de Skull Island (l’île de Kong dont il est le king), dans GODZILLA VS KONG en 2021.

KING KONG (Peter Jackson, 2005)

GODZILLA VS KONG (Adam Wingard, 2021)

King Kong a même eu les honneurs de plusieurs séries animées dont THE KING KONG SOW (1966), KONG: KING OF THE ALPES (2016) ou très récemment et disponible depuis le 22 juin sur Netflix, la série SKULL ISLAND consacrée à King Kong et la mythique Skull Island.

King Kong et Godzilla auront également le droit prochainement à un nouveau match avec GODZILLA X KONG : THE NEW EMPIRE prévu pour le 15 mars 2024.

Source : RTBF Cinéma – Wikipédia

CHARLIE CHAPLIN

 LE RIRE DU PREMIER SIÈCLE

Charles Spencer (dit Charlie) Chaplin a marqué l’histoire du cinéma mondial à travers l’invention de Charlot, personnage comique qui atteint le sublime.

Les premières années :

Les premières années de la vie de Chaplin ressemblent au mélange des genres qui fondera plus tard son cinéma : entre rires et larmes, bonheur et gravité, comique et mélo. Né en 1889 à Londres, il est le fils de deux artistes de music-hall : son père Charles est un « comique excentrique » tandis que sa mère, Hannah, est chanteuse et actrice d’opérette. Tout va donc pour le mieux dans cette famille musicienne et Charles fait ses premiers pas sur les planches à l’âge de cinq ans. Mais deux ans plus tard, il perd son père, qui a sombré dans l’alcoolisme faute de travail. Vint alors le temps de la misère et Hannah perd progressivement sa voix.

C’est donc à neuf ans que le petit garçon signe son premier contrat au music-hall, seule manière de survivre. Galas et tournées en France se succèdent jusqu’en 1912 où le futir Charlot définitivement aux Etats-Unis. Là Mack Sennet le remarque très rapidement et l’engagedans la foulée pour le Keystone : en janvier 1914, Charles Chaplin interprète son premier, MAKING A LIVING. C’est le début d’une fantastique carrière cinématographique.

Pour beaucoup ce film est considéré comme le chef d’oeuvre de Chaplin. Le comique et la gravité s’y mêlent intinimement. Ce fut par ailleurs, l’un des plus gros succès du cinéma muet et Chaplin fort de cette notoriété, en donna une version sonorisée et mise en musique par ses soins dans les années 1940.

L’invention d’un mythe

Dès ses premiers films comme acteur puis comme réalisateur, Chaplin a trouvé le style de Charlot, reconnaissable entre mille : pantalon trop larde, veste trop étroite, grandes chaussures usagées, petit chapeau melon et cane omniprésente. Si ce personnage s’est imposé à tous dans le monde entier, c’est qu’il porte en lui des valeurs et des situations universellement compréhensibles. Charlot est ainsi un vagabond sans ravail à l’heure des grandes dépressions économiques ou bien un ouvrier écrasé par les machines de l’industrialisation forcée comme dans LES TEMPS MODERNES (1936).

Tour à tour proie de l’argent, de l’armée, de la religion, de la police ou du capitalisme. Charlot tente à chaque fois de se rebeller contre ces ordres établis. Il essaie sans cesse de dépasser la règle du jeu du maître et du valet, du bourreau et de la victime. C’est la raison pour laquelle nombre de ses film se terminent sur l’image d’une fuite vers un ailleurs plus radieux. Et les spectateurs du monde entier peuvent se reconnaître dans cette petite voix qui dit non, ce « petit homme » comme l’appelait Chaplin lui-même.

Le discours final du film LE DICTATEUR (1940)

Le meilleur discours de tous les temps !

(Cela n’engage que nous)

Au delà de Charlot

On ne saurait résumer l’oeuvre immense de Chaplin au personnage de Charlot. A côté du vagabond le plus célèbre de l’histoire du cinéma existent des figures plus ponctuelles, mais qui font partie intégrante de l’univers et du génie de Chaplin. Ces « frères » de Charlot s’appellent Calvero le clown, dans LIMELIGHT(1952), Monsieur Verdoux dans le film de même nom (1947) ou bien encore le roi Shadow dans UN ROI A NEW YORK (1957). Dans un premier temps, et singulièrement en Europe, ils furent boudés par le public assurément déçu de ne pas y retrouver une nouvelle aventure de Charlot. Mais, le temps fait son oeuvre. Même son film ultime, LA COMTESSE DE HONG KONG (1967) dans lequel il n’a qu’un rôle épisodique, étonne par son mordant, son comique et sa puissance dramatique.

Jusqu’à son dernier souffle artistique, Chaplin aura gardé intacts son pouvoir d’indignation et de contestation et Charlot sera tout à jamais le symbole d’un cinéma populaire et exigeant, universel et dérangeant.

Source : Cinéma La grande histoire du 7e art – Édition Larousse