Fiche technique :

• Date de sortie : 15 avril 2026 
• De : Yûho Ishibashi
• Avec : Erika Karata, Haruka Imô, Kazuma Ishibashi
• Genre : Drame
• Durée : 1h16

Notre avis sur le film

LA FILLE DU KONBINI

La Fille du Konbini, réalisé par Yūho Ishibashi, est un film qui prend le contre-pied des attentes les plus immédiates. Là où une partie du cinéma contemporain cherche l’impact, l’accélération ou le spectaculaire, ce long-métrage choisit au contraire la discrétion, la lenteur et une forme de poésie du quotidien.

C’est un film modeste en apparence, mais dont la retenue devient peu à peu la vraie force.

Le synopsis : L’histoire suit Nozomi, 24 ans, ancienne commerciale devenue employée dans un konbini. Entre les rayons à remplir, les clients pressés et les échanges furtifs avec ses collègues, sa vie semble s’être installée dans une routine à la fois étouffante et rassurante. Ce fragile équilibre vacille avec le retour d’une ancienne amie, qui ravive brutalement des questions laissées en suspens : ai-je fait les bons choix ? Suis-je réellement à ma place ? À partir de ce point de départ simple, le film déploie en réalité une réflexion beaucoup plus ample sur la place sociale, l’usure intérieure, le poids des normes et le regard que chacun finit par porter sur sa propre trajectoire.

Ce qui frappe d’abord, c’est le rythme du film. Ici, pas de précipitation, pas de rebondissements artificiels, pas de volonté de surligner le drame. La caméra épouse la monotonie des gestes répétés, des silences, des regards fuyants, des habitudes qui finissent par dessiner une forme d’enfermement doux. Cette lenteur pourra désarçonner certains spectateurs, mais elle n’a rien de gratuit. Elle est le langage même du film. Elle permet de faire ressentir physiquement la répétition des jours, la fatigue diffuse, l’impression de stagnation qui habite le personnage principal.

On pourrait croire à une simple étude sociale, mais La Fille du Konbini va plus loin. Le film parle avec beaucoup de justesse de la fatigue d’exister, de cette solitude moderne qui ne se traduit pas forcément par l’isolement, mais par le sentiment plus diffus de ne plus correspondre à ce qu’on attendait de soi, ni à ce que les autres attendent de vous. Il y est question de burn-out silencieux, d’inadéquation, de pression sociale, de mélancolie quotidienne. Le Japon qui s’y dessine est loin des images de carte postale ou des clichés habituels : pas de fascination esthétique, pas de pittoresque forcé, mais des espaces fermés, des visages fatigués, des existences ordinaires confrontées à une forme d’épuisement moral.

C’est d’ailleurs l’une des grandes qualités du film : regarder des vies banales sans les mépriser, sans les idéaliser non plus. La Fille du Konbini observe son héroïne avec pudeur, sans jamais l’écraser sous un discours ou une démonstration. Il laisse de l’espace au spectateur, préfère suggérer plutôt qu’asséner, et trouve dans cette retenue une forme de vérité assez rare.

Pour autant, le film n’est jamais désespéré. Il trouve au contraire une beauté dans les interstices : un rire partagé avec un collègue, une complicité inattendue, une bière bue sur le toit du konbini, un instant suspendu qui semble presque insignifiant et qui, pourtant, dit tout. Ces moments fugaces rappellent que la vie, même dans sa grisaille, conserve encore des éclats de lumière. C’est dans cet équilibre entre dureté du réel et douceur discrète que le film touche juste.

Au centre de l’ensemble, Erika Karata livre une performance d’une grande finesse. Dans le rôle de Nozomi, elle est bouleversante de justesse. Son jeu repose sur l’économie, sur les nuances, sur des variations presque imperceptibles : un regard, un sourire timide, une hésitation, une manière de se tenir ou de se replier. Sans jamais forcer l’émotion, elle donne au personnage une densité remarquable. Elle incarne pleinement cette tension entre résignation et espoir, entre ce que l’on est devenu et ce que l’on croyait devoir devenir. Par sa seule présence, elle donne au film une profondeur supplémentaire.

L’un des points les plus réussis tient aussi à la manière dont le passé ressurgit non pas comme un grand bouleversement dramatique, mais comme un révélateur intime. Le retour de l’ancienne amie agit comme un miroir brutal : il rappelle les aspirations d’hier, les chemins abandonnés, les écarts entre les promesses de la jeunesse et la réalité présente. C’est un motif simple, mais universel, et c’est sans doute là que le film trouve son écho le plus fort.

Tout n’est pas irréprochable, bien sûr. Cette lenteur assumée, cette narration elliptique et cette répétition des situations pourront tenir certains spectateurs à distance. Le film demande une vraie disponibilité, presque une forme d’abandon à son tempo. Il ne cherche jamais à séduire facilement. Mais c’est aussi ce qui fait sa singularité. Dans un paysage saturé de récits explicatifs et de mécaniques émotionnelles trop visibles, La Fille du Konbini ose encore la fragilité, le silence et l’observation.

Au final, La Fille du Konbini ne plaira sans doute pas à tout le monde. Certains y verront un film trop lent, trop discret, trop ténu. Mais pour ceux qui accepteront d’entrer dans sa respiration particulière, il offre une œuvre rare, sensible et profondément habitée. Un film qui prend le temps de regarder ses personnages, de les écouter exister, et qui dit avec beaucoup de pudeur quelque chose de très juste sur le décalage entre soi, les autres et les vies que l’on imaginait.

 Par Gregory CAUMES

|Copyright Arthouse

BANDE-ANNONCE :

Fiche technique :

• Publication :  10 octobre 2025
• Auteur : Fallone Leclere
  
• Édition : BoD – Books on Demand
• Genre : Fantasy & Science-fiction
• Pages : 278 pages

Notre avis sur le livre

LA LISIÈRE DES MONDES

Tome 1 – Cendres et Lumière

Résumé :

Inaya n’aurait jamais imaginé que son destin la mènerait au-delà de son monde. Un collier ancien et mystérieux lui ouvre les portes d’un univers où magie et réalité se mêlent dangereusement.
Entre secrets enfouis et forces mystérieuses, elle devra apprendre à maîtriser ses dons et affronter des choix qui pourraient bouleverser sa vie… et celle de ceux qu’elle aime.
Dans ce voyage où la lumière se fraye un chemin à travers les cendres, Inaya découvrira que le courage, l’amitié et l’amour sont les seules armes capables de sauver ce qui lui est cher… avant qu’il ne soit trop tard.

Un héritage qui ouvre les portes du merveilleux

Ce roman de fantasy de Fallone Leclere nous conte l’histoire d’Inaya, une jeune lycéenne qui, le jour de ses 18 ans, reçoit en héritage un mystérieux collier. Ce simple objet devient la clé d’un univers insoupçonné, rempli de magie et peuplé d’animaux aussi fascinants qu’uniques. Ces créatures, que l’on ne pouvait jusqu’alors qu’imaginer, prennent vie sous la plume de l’autrice et ouvrent la porte à un monde parallèle où tout semble possible.

Quand la fiction s’aligne à la réalité au travers d’une immersion entre deux mondes

Dès les premières pages, l’autrice nous immerge dans cet univers féérique que l’on découvre en même temps que l’héroïne. À l’instar d’Inaya, nous sommes happés par le récit et animés par l’envie d’en apprendre toujours davantage. Les créatures rencontrées, chacune liée à un peuple, apportent une richesse indéniable au récit. On aurait toutefois aimé que cet aspect soit davantage développé : approfondir leur histoire, leur caractère ou leur rôle aurait permis de renforcer l’attachement du lecteur, un peu comme on s’attache à nos propres animaux de compagnie. Cela aurait donné encore plus de relief à ce bestiaire déjà prometteur.

L’un des grands points forts du roman réside dans l’expérience parallèle que vit le lecteur. Nous découvrons ce monde en même temps qu’Inaya, partageons ses doutes, ses émerveillements et ses questionnements. Lorsqu’elle retourne à « la vraie vie », nous ressentons ce même décalage, comme lorsque nous refermons le livre pour revenir à notre quotidien. Chapitre après chapitre, nous naviguons nous aussi entre deux mondes, portés par une plume fluide et immersive.

Une quête initiatique dans un premier tome prometteur qui appelle une suite ambitieuse

Cette quête initiatique met en scène une héroïne forte, déterminée, qui apprend à trouver sa place et à prendre part aux combats qui l’attendent. La Lisière des mondes est une histoire prenante, une fantasy plaisante et bien dosée, mêlant habilement suspense et romance, sans jamais laisser cette dernière prendre le dessus.

Qu’attendons-nous du prochain tome ? Une aventure tout aussi captivante, bien sûr, et la réponse à une question essentielle : Inaya continuera-t-elle à voyager entre ces deux réalités ? Sur un plan plus pratique, une carte ou un lexique serait un vrai plus pour accompagner le lecteur. Une chose est sûre : nous attendons le tome 2 avec impatience.

Par Claire N. – La Minute Ciné –

Lien pour se procurer le livre : La Lisière des Mondes

Fiche technique :

• Date de sortie : 25 février 2026 
• De : Saeed Roustaee
• Avec : Parinaz Izadyar, Sinan Mohebi, Payman Maadi
• Genre : Drame
• Durée : 2h11

Notre avis sur le film

WOMAN AND CHILD

La tragédie intime d’une femme face au système

Avec Woman and Child, Saeed Roustaee poursuit son exploration des fractures morales et sociales de l’Iran contemporain. Après La Loi de Téhéran et Leïla et ses frères, le cinéaste iranien s’attaque ici à une matière plus intime, presque domestique, mais dont la portée politique et sociétale n’en est que plus puissante.

Le film suit Mahnaz, infirmière de 40 ans élevant seule ses enfants, dont la trajectoire bascule après un drame impliquant son fils, la conduisant dans une quête de justice. Ce point de départ pourrait annoncer un mélodrame judiciaire. Roustaee en fait une tragédie contemporaine.

Un film féministe d’un courage rare

Une mise en scène du regard

Roustaee avait envisagé d’intituler le film Les Regards. Ce n’est pas un détail. Le film repose sur la puissance expressive des visages, en particulier celui de Parinaz Izadyar.

Les silences sont souvent plus éloquents que les dialogues. Le réalisateur assume une tension entre abondance verbale et moments suspendus où tout passe par les yeux. La comparaison évoquée avec Falconetti dans La Passion de Jeanne d’Arc n’est pas exagérée : Izadyar incarne Mahnaz comme un masque tragique moderne.

Roustaee parle d’acteurs « dont le visage pense ». Cette formule résume le projet esthétique du film : faire du visage un espace narratif. Le spectateur n’est pas guidé par la musique ou par des effets dramatiques appuyés, mais par des micro-variations émotionnelles qui traduisent les contradictions internes du personnage.

Visuellement, Woman and Child n’oublie jamais d’être une véritable œuvre de cinéma. Les cadrages sont resserrés, les espaces souvent étouffants, les compositions soulignent l’isolement progressif de Mahnaz. La lumière joue un rôle dramaturgique : chaude dans les scènes familiales, clinique à l’hôpital, presque froide dans les moments de confrontation. Roustaee affirme un style identifiable, maîtrisé, cohérent avec sa filmographie.

Une écriture d’une finesse redoutable

L’une des grandes réussites du film réside dans l’évolution imprévisible des personnages. Mehri, la sœur, par exemple, ne se réduit jamais à une fonction narrative simple. Roustaee rappelle que ces situations sont inspirées du réel, parfois même édulcorées par rapport à la réalité. Cela confère au récit une authenticité troublante.

Le spectateur ne peut jamais anticiper totalement la direction que prendra le récit. Les choix des personnages sont ambigus, parfois dérangeants, mais toujours humains. Il n’y a pas de figures caricaturales. Même les personnages masculins ne sont pas des monstres univoques ; ils sont les produits d’un système.

Cette complexité rend le message final d’autant plus fort. Lorsque Mahnaz dépasse la colère et choisit la transmission plutôt que la destruction, le film ne bascule pas dans la naïveté. Il affirme une forme de résistance intérieure : ne pas se laisser définir uniquement par la violence subie.

C’est précisément cette finesse d’écriture qui impressionne : Roustaee montre comment un drame recompose les liens, redistribue les rôles, révèle les failles et les solidarités inattendues. Il observe, sans juger, la manière dont les êtres humains naviguent entre douleur sincère, intérêts personnels et instinct de survie.

Une tragédie contemporaine à portée universelle

Roustaee définit son film comme une tragédie. Et en effet, Woman and Child en respecte la structure : une héroïne, une illusion initiale, un enchaînement inexorable d’événements, puis une révélation.

Mais cette tragédie n’est pas mythologique. Elle est sociale. Elle parle des femmes iraniennes, de leur lutte quotidienne, des contraintes invisibles qui pèsent sur leurs choix. Elle parle aussi de la difficulté à exister pleinement dans un système qui vous juge avant même de vous entendre.

Ce qui distingue le film d’autres œuvres dénonçant frontalement le régime, c’est son choix de la subtilité. Roustaee ne filme pas la répression spectaculaire ; il filme l’usure. Il filme la pression lente. Il filme la normalisation de l’injustice.

Et c’est peut-être ce qui le rend encore plus politique.

En conclusion

Woman and Child est un film d’une grande maturité, porté par une actrice principale exceptionnelle et par un cinéaste qui assume un geste artistique courageux dans un contexte contraint. À la fois film féministe, drame familial, critique sociétale et œuvre esthétique exigeante, il touche par sa retenue autant que par sa puissance.

Une tragédie intime qui devient, sans jamais forcer le trait, un acte de cinéma profondément engagé. Un film subtil, nécessaire, et d’une intelligence rare.

 Par Gregory CAUMES

|Copyright Amirhossein Shojaei & Saeed Roustaee

BANDE-ANNONCE :

Fiche technique :

• Date de sortie : 28 janvier 2026 
• De : James Vanderbilt
• Avec : Russell Crowe, Rami Malek, Richard E. Grant
• Genre : Drame, Historique
• Durée : 2h28

Notre avis sur le film

NUREMBERG

NUREMBERG, le dernier film de James Vanderbilt, plonge le spectateur dans l’un des moments les plus marquants du XXᵉ siècle : le procès des dignitaires nazis après la Seconde Guerre mondiale. Mais attention, ce n’est pas un simple film de tribunal. Ici, on suit deux histoires en parallèle : d’un côté, la création du Tribunal militaire international de Nuremberg, porté par le procureur américain Robert H. Jackson, qui doit inventer un cadre juridique pour juger des crimes contre l’humanité ; de l’autre, le travail du psychiatre Douglas Kelley, chargé d’évaluer la santé mentale des accusés, dont Hermann Göring, l’un des principaux lieutenants d’Hitler.

Adapté du livre The Nazi and the Psychiatrist de Jack El-Hai, le film explore une question glaçante : le mal absolu est-il l’œuvre de monstres, ou peut-il être commis par des hommes intelligents, rationnels, voire charismatiques ? Avec Russell Crowe, Rami Malek et Michael Shannon en tête d’affiche, Nuremberg mise sur une approche rigoureuse, mais accessible, pour raconter cette page d’Histoire sans tomber dans le jargon ou le didactisme pesant.

Un film historique exigeant, mais captivant

Le cœur du film réside dans la confrontation entre Douglas Kelley et Hermann Göring. Ces face-à-face, à la fois intellectuels et moraux, donnent une profondeur rare au récit. Le film ne cherche pas à excuser Göring, mais il ne le réduit pas non plus à une caricature de « monstre ». Au contraire, il explore une idée dérangeante : et si le pire pouvait être commis par des hommes ordinaires, intelligents, voire séduisants ? Une question qui résonne étrangement avec notre époque.

Russell Crowe est bluffant dans le rôle de Göring : charismatique, manipulateur, mais jamais grotesque, il incarne parfaitement ce personnage sombre et immonde de l’histoire humaine. Rami Malek, en psychiatre confronté à l’horreur, incarne parfaitement la curiosité intellectuelle qui se transforme peu à peu en prise de conscience morale. Quant à Michael Shannon, il apporte une gravité nécessaire au rôle de Robert H. Jackson, ancrant le film dans sa dimension judiciaire.

Les scènes de procès sont particulièrement bien mises en scène. Vanderbilt utilise des plans larges, presque théâtraux, qui renforcent l’impression d’assister à un moment historique en direct. Le montage, fluide et précis, évite toute lourdeur malgré les 2h28 du film, et la reconstitution des décors est si crédible qu’on en oublie presque qu’il s’agit d’une fiction.

En conclusion

Nuremberg est un film exigeant, mais jamais ennuyeux. Il ne cherche pas à imposer une morale, mais à faire réfléchir. À une époque où l’oubli et la désinformation menacent, ce film rappelle que la justice internationale repose sur des choix humains, fragiles mais indispensables.

Le film réussit à nous démontrer que le mal absolue existe dans l’humanité, que l’horreur n’est jamais vaincue et qu’il doit être combattu au quotidien

Un grand film historique, à la fois pédagogique et captivant. À voir absolument pour ceux qui aiment le cinéma intelligent, qui interroge autant qu’il divertit

 Par Gregory CAUMES

Copyright moviexchange / Bluestone Entertainment / Sony Pictures

BANDE-ANNONCE :

Fiche technique :

• Date de sortie : 4 février 2026 
• De : Thomas Balmès
• Avec : /
• Genre : Documentaire
• Durée : 1h20

Notre avis sur le film

À DEMAIN SUR LA LUNE

Présentation :

À demain sur la Lune, le dernier documentaire de Thomas Balmès, est un film qui vous prend aux tripes dès les premières minutes. Tourné sur deux ans dans l’unité de soins palliatifs de l’hôpital de Calais, il nous immerge dans un univers où la vie et la mort se côtoient au quotidien. Mais ce qui rend ce film si particulier, c’est Peyo, un cheval qui, contre toute attente, semble pressentir quels patients ont le plus besoin de sa présence. Pas de mise en scène tape-à-l’œil ici : juste des rencontres, des regards, et une étrange complicité entre l’animal et ceux qui savent leur temps compté.

Parmi les patients, Amandine marque particulièrement les esprits. Atteinte d’une maladie incurable, elle accepte d’être filmée, non par exhibitionnisme, mais pour laisser une trace à ses enfants. Son histoire, filmée avec une pudeur rare, soulève une question qui nous concerne tous : comment vivre quand on sait que la fin est proche ? Comment transformer l’inéluctable en quelque chose de presque apaisant ?

Thomas Balmès, qui signe à la fois la réalisation et l’image, confirme avec ce film son talent pour capter l’humain dans ce qu’il a de plus fragile. Pas de grands discours, pas de pathos forcé : juste des instants volés, des silences éloquents, et une bande-son signée Guillaume Poncelet qui enveloppe le tout d’une douceur mélancolique. On sort de là avec l’impression d’avoir partagé bien plus qu’un simple documentaire – une expérience, presque.

Critique

Mais ce qui élève À demain sur la Lune au-dessus des autres documentaires sur le sujet, c’est sa dimension cinématographique. Le réalisateur filtre la réalité à travers un regard d’artiste : des lumières douces, des plans serrés sur des détails (une main qui caresse une crinière, un sourire fugace), une photographie qui transforme l’hôpital en un lieu à la fois réel et onirique. On est loin du reportage chirurgical ou du misérabilisme facile. Ici, chaque image compte, chaque silence a son poids.

Le montage, signé Alex Cardon, est un modèle du genre : ni trop lent, ni trop rapide, il épouse le rythme des personnes filmées. On prend le temps. On respire. On se laisse porter. Et c’est dans ces moments de flottement que le film nous touche le plus, nous forçant à nous interroger : et moi, comment j’affronterais ça ? Comment j’accompagnerais un proche ? Comment je vivrais mes derniers jours ?

En conclusion

Dans une époque où la mort est souvent cachée voir aseptisée, À demain sur la Lune ose la regarder en face, sans fard mais sans désespoir. Il rappelle que la fin de vie n’est pas qu’une question médicale, mais une aventure profondément humaine, faite de peurs, de rires, de colères et, parfois, de paix. Thomas Balmès remet finalement l’humain au centre de la question du soin, et c’est pour cela que son œuvre est aussi puissante.

Un documentaire indispensable. Pas seulement pour ceux qui s’intéressent aux soins palliatifs, mais pour quiconque a déjà aimé, perdu, ou simplement réfléchi à ce que signifie « bien mourir ». À voir absolument – et à méditer longtemps après.

 Par Gregory CAUMES

Copyright moviexchange / Bluestone Entertainment / Sony Pictures

BANDE-ANNONCE :

Fiche technique :

• Date de sortie : 1996, 2004 et 2005
• De : Nicolas Winding Refn
  
• Avec : Mads Mikkelsen, Vanja Bajicic, Lisbeth Rasmussen
• Genre : Action, Drame, Thriller
• Durée : 1h45 / 1h36 / 1h42

Notre avis sur la trilogie 

PUSHER

À l’occasion de la sortie en version 4K, on vous propose de revenir sur la trilogie Pusher et de nous intéresser également à l’aspect technique de la nouvelle version.

Une œuvre fondatrice du cinéma criminel européen

Avant de réaliser des films comme Drive, Only God Forgives ou encore The Neon Demon, le réalisateur danois Nicolas Winding Refn a réalisé entre 1996 et 2005 la trilogie Pusher. Trois films, loin des codes esthétiques hollywoodiens, qui vont explorer de manière viscérale et avec une approche ultraréaliste la criminalité à Copenhague. Une saga, aujourd’hui culte, certes encore trop méconnu, qui par son style brut et son intensité dramatique va poser un regard sans concession sur les bas-fonds d’un monde d’escrocs danois.

Chapitre 1 : Pusher (1996) – Le chaos nerveux

Le premier opus suit Frank, petit dealer pris dans une spirale infernale après un deal raté. Le réalisateur opte pour une caméra à l’épaule, des couleurs sales et une lumière naturelle, créant une immersion totale dans un univers oppressant. La tension est permanente, la violence réaliste, et le spectateur ressent physiquement la peur et la pression qui écrasent le personnage. Ce film pose les bases : un cinéma viscéral, sans glamour ni échappatoire.

Chapitre 2 : Pusher II (2004) – L’introspection tragique

Huit ans plus tard, Refn change de perspective. Tonny, interprété par un Mads Mikkelsen magistral, tente de reconstruire sa vie après la prison. Ce second volet est le plus introspectif : derrière la brutalité, une quête de reconnaissance et d’amour paternel. La mise en scène conserve son réalisme cru, mais s’enrichit d’une dimension psychologique qui confère au film une profondeur tragique.

Chapitre 3 : Pusher III (2005) – La fin d’un règne

Dernier chapitre : Milo, vieux parrain, lutte pour maintenir son pouvoir. La tension devient sourde, presque existentielle. Ce film, le plus sombre de la trilogie, explore la désagrégation d’un système criminel et la solitude d’un homme au crépuscule de son règne. La violence y est froide, presque désespérée.

La criminalité et la violence au service d’un réalisme brut

Les trois films ont un point commun : ils ne cherchent pas à séduire mais à confronter le spectateur à une réalité crue. Violence, drogue, sexualité, voici les ingrédients d’une trilogie clairement réservée pour un public averti. Pour cela, le réalisateur danois va s’inspirer de véritables milieux criminels, conférant à la trilogie un réalisme brut. Exit l’univers stylisé et haut en couleur de ses derniers films. Ici, la caméra épaule, la lumière naturelle et les couleurs ternes viendront nourrir l’esthétique des trois films, radicalement opposée aux films de gangsters modernes.

En conclusion, la trilogie Pusher est une œuvre radicale, intense et incontournable dans l’horizon du cinéma criminel européen. Une œuvre qui aura lancé la carrière de Nicolas Winding Refn et révélé Mads Mikkelsen.

Aspects techniques de l’édition 4K :

Quoi de mieux du coup, que cette édition 4K pour (re)découvrir ces films dans des conditions techniques optimales.

Image : La restauration 4K a été réalisé à partir des négatifs originaux (16 mm pour le premier, 35 mm pour les suivants), offrant une texture granuleuse fidèle à l’univers criminel.

Audio : Les trois opus seront présentés en 2160p Dolby Vision avec VO remixée au format Dolby Atmos et VF DTS-HD 5.1.

Bonus : Plusieurs bonus sont proposés comme le documentaire Gambler de Phie Ambo (2006, 1h18) ; 3 entretiens inédits avec Philippe Rouyer (30 min/entretien); livret d’accompagnement de 88 pages contenant un entretien fleuve avec Nicolas Winding Refn et des documents d’archives inédits.

Editeur : The Jokers Films

Par Sébastien NIPPERT

|Copyright Ninety Seven Film Production & Distribution

BANDE-ANNONCE :